Edition III: St. Georgen

Edition III: St. Georgen, 2019, with Natalie Obert, collection of various printed 2nd hand clothes, each as unique item, Edition of 37

Edition III: St. Georgen


Residency at Kunstverein Global Forest
St. Georgen, Black Forest


TEXT
ALL IMAGES

JESSICA TWITCHELL & NATALIE OBERT

Jessica Twitchells  Arbeiten folgen meist einem ortsspezifisch entwickelten Konzept. Ausgehend von der baulichen Struktur des Umraumes ist der Umsetzung ihrer Projekte stets ein bildhauerischer Ansatz eingeschrieben, welcher formale Lösungen einfordert. Wechselseitig analysiert die Künstlerin  Oberfläche und Form, bzw. architektonische Struktur. In deren Verschränkung entstehen daraus neuartige Strukturen, die mal in abstrakte, bis ornamentale Muster – also einer Abstraktion auf der Oberfläche -  mal in formalgestalterisch reduzierte Objekte, bzw. in Rauminstallationen übersetzt werden. Oftmals überlagert sich Beides. Ausgehend von dieser neu geschaffenen Verhältnismäßigkeit, zwischen der künstlerischen Intervention und dem Raum, wird die Perspektive der BetrachterInnen auf das Umfeld gebrochen, dabei de-, wie rekonstruiert; funktional, wie ästhetisch.

Auch Natalie Obert befasst sich aus bildhauerischer Perspektive mit Raum und Stadt, bzw. deren strukturellen Konditionen. Neben ihrem analytischen Blick auf das gebaute Umfeld legt sie ihr Augenmerk insbesondere auf das Zusammenspiel von dinglichem, sozialem und geistigem Raum sowie auf jene historischen Kontexte, die sich in den Raum, in die Stadt und ihre Subjekte eingeschrieben haben. Durch ihre Kunst mischt sie sich aktiv in diese prae-dispositorische, räumliche wie soziale Ordnung ein, geht Riten, Gewohnheiten alltäglicher Nutzung und Bewegungsabläufen nach, die als alltäglicher ‚Habitus‘, als stumme Gesetzmäßigkeit, durchsichtig geworden sind und gerade dadurch performativ sind. Dieser Performanz des Raumes geht die Künstlerin nach, verquert sie und deutet sie um. Der Erfahrungsraum wird in der Rezeption zum Handlungsraum für sie als Künstlerin und die BetrachterInnen.

In ihrer gemeinsamen Praxis überlagern sich das formale, konstruktiv-strukturelle Herangehen von Jessica Twitchell mit dem soziologischen von Ansatz Natalie Obert:

Beide Künstlerinnen kennen sich bereits seit ihrem Studium an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe. Zusammen arbeiten sie seit einigen Jahren an einer fortlaufenden Edition. In diesen in sich abgeschlossenen Projekten bedrucken die Künstlerinnen industriell gefertigte Kleidungsstücke im Siebdruck-Verfahren. Jede dieser Kollektionen bezieht sich explizit auf einen Ort, dessen Formen, Farben und Eigenheiten den Künstlerinnen als Inspiration für die Gestaltung dienen. Die dabei entstehenden, tragbaren Unikate sind Kunstwerk und Alltagsgegenstand.

global-forest.com

CLOSE

Edition III: St. Georgen, 2019, with Natalie Obert, collection of various printed 2nd hand clothes, each as unique item, Edition of 37

Edition III: St. Georgen, 2019, with Natalie Obert, collection of various printed 2nd hand clothes, each as unique item, Edition of 37

CLOSE
Burgau

Neo-Luddism (Rare Earths), 2018, DIN A3 ­inkjet print, wood, aluminium, colour, 265 x 230 x 205 cm

RAUMFOLGEN


Gruppenausstellung, Schloss Burgau
Düren, 2018


ALL IMAGES
CLOSE

Neo-Luddism (Rare Earths), 2018, DIN A3 ­inkjet print, wood, aluminium, colour, 265 x 230 x 205 cm

Neo-Luddism (Rare Earths), 2018, DIN A3 ­inkjet print, wood, aluminium, colour, 265 x 230 x 205 cm

Neo-Luddism (Rare Earths), 2018, DIN A3 ­inkjet print, wood, aluminium, colour, 265 x 230 x 205 cm

CLOSE
Neo-Luddism

Ancestral Gate, 2018, DIN A3 inkjet print, 89 x 210 cm; QR Code 7 (Cross), coal, watercolour, paper, framed, 29,7 x 21 cm

NEO-LUDDISM


Zero Fold
Cologne, 2018


TEXT
ALL IMAGES

Die Bildhauerin Jessica Twitchell hat sich für ihre Ausstellung NEO-LUDDISMUS mit diesem gesellschaftlichen Phänomen beschäftigt, das in seinem Namen an die Ludditen anknüpft, eine Bewegung, die Anfang des 19. Jahrhunderts gegen die sozialen Folgeerscheinungen der industriellen Revolution protestierte, Maschinen zerstörte und Fabriken stürmte.
Im Zentrum der Ausstellung steht eine Serie von Objekten, die auf Mallorca entstanden
ist.
Diese werden wie seltene Steine oder archäologische Readymades präsentiert, doch etwas
irritiert – aus den Steinbrocken lugen Platinen, Plastikstücke und Metallteile hervor, es sind
Bruchstücke von Handys, die Twitchell zertrümmert und in kleinste Teile zerlegt h
at. Die seltenen Erden, die in Afrika von Kinderhänden abgebaut und mit höchst fraglichen Auswirkungen
auf Umwelt und Bevölkerung in China zu Akkus von Mobiltelefonen verarbeitet werden, treffen im
Steingussverfahren auf mallorquinische Erde. Als formale Reproduktionen von Kalksandsteinen,
die die Künstlerin vor Ort gesammelt, abgeformt und dann mit dem Erde-Handy-Gemisch ausgegossen hat. (Text: Leonie Pfennig für ZERO FOLD)

https://www.zerofold.de/neo-luddismus-jessica-twitchell/

https://vimeo.com/275235427

 

CLOSE

Neo-Luddism, Solo Show at Zero Fold, Cologne; Installation with reproduced stones, billposting and drawings.

Lapis Loquens 6.0, 2018, reproduced stone, mobile phone, 19,5 x 18 x 12,5 cm

Song of the Luddites, 2018, ink, graphit, paper, 66 x 46,3 cm

The installment shows reproduced stones added with trashed mobiles during casting process.

CLOSE
#209

#209, 2018, illegal architecture, approx. 190 x 260 x 190 cm; coloured light, DIN A3 inkjet prints, 3 wooden panels each 102 x 210 cm; stone, leaf silver, plaster, approx. 40 x 25 x 30 cm

#209


Template Bucharest
Romania, 2018


TEXT
ALL IMAGES

In her practice, Jessica uses traditional materials such as plaster, cement, wood, textile or cardboard, as well as casting processes and different printing techniques to produce sculptural and architectural objects with repetitive, mirroring and self-similiar patterns. Beyond a theoretical investigation and practical usage of everyday objects, Jessica sharply observes her surface, which becomes the access point to understanding objects´ inherent logic and shifting functions.

For her work at #209, Jessica Twitchell extracts, reiterates and tiles surfaces of different objects, which she then posters onto a double of a kiosk´s outer shell. Template #209 is hosted within a structure reminiscent of an upscaled pop-up book, a multifaceted kiosk situated at the corner of an L-shaped block of flats. These coordinates determine the first line of the opening act in Jessica´s staging of #209, namely rephrasing of what is already there, generating a serialized unfolding of the space itself.

CLOSE

#209, 2018, illegal architecture, approx. 190 x 260 x 190 cm; coloured light, DIN A3 inkjet prints, 3 wooden panels each 102 x 210 cm; stone, leaf silver, plaster, approx. 40 x 25 x 30 cm

#209, 2018, illegal architecture, approx. 190 x 260 x 190 cm; coloured light, DIN A3 inkjet prints, 3 wooden panels each 102 x 210 cm; stone, leaf silver, plaster, approx. 40 x 25 x 30 cm

#209, 2018, illegal architecture, approx. 190 x 260 x 190 cm; coloured light, DIN A3 inkjet prints, 3 wooden panels each 102 x 210 cm; stone, leaf silver, plaster, approx. 40 x 25 x 30 cm

CLOSE
Ores

Ores, 2018, digital print, measurement variable

Inter


Goethe Institut Salvador, Brasil


TEXT

The posters for Goethe Institut shows a documentation of a series of stones. These were made by Twitchell in a casting process and artificially enriched with aluminium and copper pigments. The transformation from 3D to 2D and their reproduction turn the individual object into an ornament that, viewed in its entirety, is once again unique. João Milet Meirelles (composer, music producer, live electronics performer and photographer) used the installement as stage by performing his sound. Also during the exhibition `Inter` one original casted stone was shown.

CLOSE
CLOSE
The Paper Framed House

The Paper Framed House, 2018, wood, colour, paper, 430 x 430 x 200 cm

Junger Westen


Kunsthalle Recklinghausen, 2018


ALL IMAGES
CLOSE

Demontage II (Miwok Assembling House), 2016, gouache, graphit, paper, wood, 36 x 34 cm

CLOSE
Blue Salon

Blue Salon, 2017-2018, DIN A4 inkjet prints, 378 x 210 cm, light bulb, colour print

Haus Pfeffermann


April 2017 - April 2018, Nordheim v. d. Rhön


TEXT
ALL IMAGES

Während eines ganzen Jahres wurde das leerstehendes Haus meiner Großeltern in Nordheim v. d. Rhön zu einem Kunstlabor. Anfangs entwickelten acht Künstler Werke und Infrastruktur des Projekts vor und mit dem Ort. Zusätzlich wurden das Jahr über weitere Künstler zu einem Gastspiel eingeladen. Sinneseindrücke unterschiedlicher Art wurden erfahrbar und die Gewohnheiten des alltäglichen Lebens ästhetisch herausgefordert. Das bis dahin ungenutzte Haus wurde durch die künstlerische Intervention wiederbelebt und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Somit wurde in dieser Region wieder ein Ort des Austauschs zwischen Ortsansässigen, Besuchern und jungen Gegenwartskünstlern geschaffen.

[...]

Die Arbeit mit und in dem Haus ist für Jessica Twitchell eine persönliche Auseinandersetzung und Gegenüberstellung von Erinnerung und Handlung, der Vergangenheit und dem Jetzt.

https://vimeo.com/288675805 (Passwort: Pfeffermann)

http://haus-pfeffermann.de

 

CLOSE

Blue Salon, 2017-2018, DIN A4 inkjet prints, exposed mural paintings, light bulb, colour print, oilpainted wooden mask

In Search Of The Spirit Of Ancestors, 2018, colour print, 42 x 60 cm

Blue Salon, 2017-2018, exposed mural paintings, colour print, oilpainted wooden mask

Blue Salon, 2017-2018, exposed mural paintings, colour print, oilpainted wooden mask

Bird Mask (Budgie), 2017, lime wood, oil colour, 16 x 20 x 9 cm

Staff, 2017, performance during opening, 20 min., wodden mask, oilcolour, cloths, whistling

Staff, 2017, performance during opening, 20 min., wodden mask, oilcolour, cloths, whistling

Work, 2018, performance during finissage, 40 min., wodden mask, oilcoloured, cloths, stones, plaster, pigments, colour spray, coal, plants, butter, firecrackers

CLOSE
From The Group Of Ores

From The Group Of Ores, 2016, stone cast enriched with aluminium and copper pigment, Edition of 3, each in 3 parts, each approx. 11,5 x 5,5 x 7,5

Jahresgabe


Westfälischer Kunstverein 2017


TEXT
ALL IMAGES

Reproduktionsmedien und -techniken wie Plakate, Fotokopien, Textil und verschiedene Druckverfahren tauchen immer wieder im Werk der Kölner Künstlerin Jessica Twitchell auf. Durch die Übertragung ins Zweidimensionale wird die zuvor bestehende bildhauerische Arbeit grundlegend verändert. In ihrer Ausstellung Pivot Joint Economy Class führte Jessica Twitchell zwei Arbeiten in einer Installation zusammen. Das zentrale Element - ein bogenartiger Baldachin mit einer Konstruktion aus Stahl war mit Stoffbahnen, die im Siebdruckverfahren bedruckt wurden, überspannt. Der Baldachin korrespondierte optisch mit einem Papierobjekt aus Plakaten, die in einer fließenden Bewegung von der Wand auf den Boden verliefen.

Auch in ihrer Jahresgabe spielt das übergeordnete Thema der Wiederhohlung und Rproduktion eine Rolle. Die drei Steine sind Kopien eines von der Künstlerin gefundenen Steins aus Arizona, USA. Das rost- bis ockerfarbene Fundstück ist ein Limonit, auch bekannt als Brauneisen, zählt zu den Erzen und entsteht durch Zersetzung eisenhaltiger Mineralien. Das Mineralgemenge ist nicht ungewöhnlich und tritt mit einer relativen Häufigkeit auf. Während des großen Goldrauschs in Nordamerika hat man, um eine Preissteigerung beim Verkauf einer Goldmine zu erzielen, gewöhnliches Gestein mit goldenen Schrotkugeln beschossen. Dies sollte vermeitliche Goldadern imitieren und einen hohen Ertrag an Gold vortäuschen.

Die Bildhauerin hat den gefundenen Limonit durch ein Gussverfahren reproduziert. Als Material diente einfacher Vergussmörtel auf der Basis von weißem Zement, der während der Verabeitung mit Kupfer- und Aluminiumpigmenten angereichert wurde. Auf der Erde kommen Kupfer und Aluminium in unterschiedlichen Häufigkeiten vor, haben dabei aber eine aufwändige und kostspielige Gewinnung gemein. Durch Verbindung der unterschiedlichen Elemente, macht Twitchell hier einen Kontrast zwischen natürlichem Erz und künstlich vervielfältigtem Stein sichtbar. Die Jahresgabe besteht aus jeweils drei Steinen, die in der Verfärbung durch eine unkontrollierte Sedimentierung der Pigmente unterscheiden. (Jenny Henke, Westfälischer Kunstverein)

CLOSE

From The Group Of Ores, 2016, stone cast enriched with aluminium and copper pigment, Edition of 3, each in 3 parts, each approx. 11,5 x 5,5 x 7,5

CLOSE
CMYK Camocollage

CMYK Camocollage, 2016, digital collage, 17,3 x 23,5 cm

CMYK


Self Portrait
2010-2017


ALL IMAGES
CLOSE

CMYK, 2010, 4 photographs, each 48,3 x 33 cm, Edition of 3 + 1 AP

CMYK, 2010, 4 photographs, each 48,3 x 33 cm, Edition of 3 + 1 AP

CMYK, 2010, 4 photographs, each 48,3 x 33 cm, Edition of 3 + 1 AP

CMYK, 2010, 4 photographs, each 48,3 x 33 cm, Edition of 3 + 1 AP

CLOSE
Pivot Joint Economy Class

Canopy, 2016, silkscreen on textile, steel, 150 x 300 x 800 cm; Pastille-Type Flooring (Backside), 2016, DIN A4 inkjet prints, 255 x 145 x 190 cm

Pivot Joint Economy Class


RADAR, LWL-Museum für Kunst und Kultur und Westfälischer Kunstverein Münster, 2016


TEXT
ALL IMAGES

In der sechsten Ausstellung der Reihe RADAR präsentieren das LWL-Museum für Kunst und Kultur und der Westfälische Kunstverein eine Arbeit der Kölner Künstlerin Jessica Twitchell. Für den in Kooperation genutzten Raum zwischen den beiden Institutionen hat die Künstlerin neue Werke in einer mehrteiligen Installation zusammengeführt.

Twitchells zentrales Element erinnert an einen Baldachin. Die nach Zeichnungen der Künstlerin angefertigte Stahlkonstruktion ist mit Stoffbahnen bespannt, die im Siebdruckverfahren bedruckt wurden. Die Textilien verlaufen, einem entfärbten Regenbogen ähnlich, von Schwarz nach Weiß, sodass das Stoffdach eine Vielzahl von Farbtönen einer Grauskala enthält. Der Baldachin korrespondiert optisch mit einem Papierobjekt: Die oben an die Wand gekleisterten Plakate enden in einer fließenden Bewegung lose auf dem Boden. Durch den Auftrag von Kleister auf die Motivseite löst sich die Druckertinte und verfärbt das rückseitig sonst weiße Papier. Die rosaroten Farbnuancen, die aus der handelsüblichen Kopierfarbe hervortreten, erzeugen nun eine eigene malerische Qualität, die das Papier zum Unikat werden lässt.

Twitchell greift auf dem Papier das Motiv der Textilbespannung auf, das eine photografische Reproduktion eines typischen Werkstattbodens wiedergibt. Der Noppenboden, der Grund, auf dem die künstlerischen Arbeiten entstehen, spannt sich nun über uns wie ein Himmel. Die zweite Dimension wird in eine Räumlichkeit übertragen. Aus Unten wird Oben und aus Fläche wird Raum oder umgekehrt.

Nebst dem Transfer des flächig reproduzierten Bodenmotivs in den Ausstellungsraum verschiebt die Künstlerin auch ein zweites Element. Die architektonischen Hauptachsen des RADAR-Raums dienen als Vorgabe für die Werkmaße. So definiert die Fensterbreite die Lange und die Außentür die Breite des Stahlgerüsts. Die plakatierte Fläche liegt in der Flucht der außenliegenden Treppenstufen zum Museum. Während sich die spezifischen Vorgaben des Ausstellungsraumes durch die Maße in das Werk einschreiben, zurrt der Titel mit den Worten 'Pivot Joint' (Achse/Gelenk, Dreh- und Angelpunkt) die Verbindung der beiden hier beheimateten Institutionen fest. Mit 'Economy Class', der Touristenklasse, verweist Twitchell auf die Kunstinstitution als Ort, der einer gewöhnlichen Gesellschaft zugänglich sein soll. (Marianne Wagner)

CLOSE

Pastille-Type Flooring (Backside), 2016, DIN A4 inkjet prints, 255 x 145 x 190 cm

Canopy, 2016, silkscreen on textile, steel, 150 x 300 x 800 cm

Canopy, 2016, silkscreen on textile, steel, 150 x 300 x 800 cm; Pastille-Type Flooring (Backside), 2016, DIN A4 inkjet prints, 255 x 145 x 190 cm

CLOSE
Q18

The Assembling White Smoke House, 2016, with Thomas Straub, wood, plasterboard, fog machine, lacquer, 430 x 430 x 200 cm

The Assembling White Smoke


Q18 - Quartier am Hafen, Cologne


TEXT
ALL IMAGES

The Assembling White Smoke - der montierte weisse Rauch, so der Titel der ersten gemeinsamen Ausstellung von Jessica Twitchell und Thomas Straub.

 

Auf die Einladung hin, eine Duo-Arbeit für die Ausstellungsreihe im Quartier zu entwickeln, konzipierten die Künstler eine Montage aus zwei sich formal ähnlichen Bauten. Hierbei beziehen sie sich auf zwei altertümliche Rundbauten aus ganz unterschiedlichen Kulturkreisen, einem Schwarzwälder Kohlmeiler, ein zur Herstellung von Holzkohle gebauter Kegel und einem Miwok Assembly House, ein zu rituellen Tänzen benutzter Rundbau der kalifornischen Miwok Natives. Nicht nur die formale Ähnlichkeit ist für sie ein Bezugspunkt, beide Künstler verbindet mit dem jeweils eiem der Bauten ein persönliche Herkunftsgeschichte. [...] (Text: Linda Nadji)

 

qah.koeln/de/jessica-twitchell-thomas-straub-the-assembling-white-smoke/

CLOSE

The Assembling White Smoke House, 2016, with Thomas Straub, wood, plasterboard, fog machine, lacquer, 430 x 430 x 200 cm

Demontage II (Miwok Assembling House), 2016, gouache, pencil on paper, frame, 36 x 28 cm; Liege I, 2016, with Emil Twitchell and Thomas Straub, wood, plasterboard, lacquer, 200 x 60 x 17 cm

CLOSE
Out of Shape

Edition II: Topping, 2015, with Natalie Obert, collection of various printed coloured clothes, each as unique item, Edition of 33

Out of Shape


TOTALE 19, Maschinenhaus Essen


CLOSE
CLOSE
Simultanhalle

O≷T≙J≷N, 2015, with Natalie Obert, objects and drawings in arrangements, dimensions variable

O≷T≙J≷N


Natalie Obert & Jessica Twitchell, Simultanhalle, Cologne, 2015


TEXT
ALL IMAGES

TALK THE LINE von Stefan Vicedom

I.

Die kürzeste Verbindung zwischen zwei Punkten ist gemeinhin eine Linie. Nicht nur setzt jede Linie die beteiligten Punkte dabei notwendigerweise in ein bestimmtes Verhältnis zueinander, sondern ebenso liegt ihr stets eine entsprechend zielgerichtete Bewegung zwischen Ausgangs- und Endpunkt zugrunde. Im selben Maße, in dem sich eine Linie als verbindendes Element zwischen zwei Punkten vollzieht, bedingt sie jedoch zugleich immer auch eine äquivalente Form der Trennung. Denn sie dringt in Flächen ein, unterteilt diese identisch mit dem Weg ihrer Ausbreitung, stiftet aus sich heraus also Abgrenzungen und Markierungen, wo vorher lediglich ausufernde Leere war. Der Akt, aus einem Nichts solche Verhältnisse und Aufteilungen in unsere Welt zu setzen, bedeutet dabei in erster Linie, der vorhandenen Leere eine Struktur, eine Ordnung abzuringen. Jede Linie bewegt sich ihrem Wesen gemäß deshalb prinzipiell schon im Operationsfeld Primärer Strukturen.

II.

Eine Linie in den Raum zu zeichnen, erweist sich zunächst als paradoxes Vorhaben. Denn obwohl das menschliche Auge Räume überhaupt erst anhand Linien und ihrer Verhältnisse (Fluchtlinien, Kanten etc.) erschließen kann, sind in der räumlichen Dimension alle Linien bereits etwas anderes: Eine Fuge zwischen Fliesen, ein Geländer an der Treppe, ein lose am Boden liegender Faden, ein Bilderrahmen an der Wand. Der Flüchtigkeit der gezeichneten Linie tritt aus räumlicher Perspektive somit vor allem die Opazität des Materiellen (und die ihr folgenden Begriffskrusten der Objekte) entgegen. Denkt man jedoch den Traditionen der Kunst und ihrer Geschichte versuchsweise zuwiderlaufend die gezeichnete Linie nicht länger nur als immaterielle Spur, sondern als materielle Präsenz (also etwa als Anhäufung von Bleistiftstaub auf einem Papier), ließe sich dann nicht auch unvermittelt mit Stein, Holz, Stahl oder Plastik in den Raum hineinzeichnen? Im Sinne einesnsolchen Verständnisses des Raums als Ort der Komposition scheint nicht nur das Wesen der Skulptur (als klassische Verhandlung von Material und Raum) und der Architektur (die anhand ihrer Grundrisse ja gerade vom Zweidimensionalen hin ins Dreidimensionale plant und definiert) ergiebig, sondern vor allem auch jene Vorgehensweisen, die sich im erweiterten Experimentierfeld von Installationen und räumlichen Interventionen vollziehen.

III.

Einen Raum in seinem charakteristischen Wesen zu erschließen, setzt in einem ersten Schritt das notwendige Wagnis voraus, (Bestand)Teil seiner Verhältnisse zu werden. Mit diesem ersten Schritt (als mentale Bewegung hin in seine Verhältnisse) verbleibt ein Raum nicht länger nur als bloße Ansammlung unbeteiligter Dinge (und Menschen), sondern gibt sich als Anordnung vielfältigster Relationen zu erkennen. Dem eigenen Körper und seinen spezifischen Wegen durch diese vorhandenen Relationen zu folgen (also unbekanntes Terrain in ein erkanntes zu verwandeln), bedeutet dabei zugeich, die abstrakte Logik einer Linie als zielgerichtete Bewegung zwischen (Stand)Punkten, als Organisator von Verhältnissen und als Taktgeber von Rhythmen in einer raumzeitlichen Erfahrung zu vollziehen. Mehr noch als beim alltäglichen Durchstreifen einer unbekannten Stadt, scheint sich ein solch räumliches Erproben von Beziehungen in der Realisierung komplexer Choreografien zu veräußern, in denen Markierungen für jene Körperhaltungen und -positionen einstehen (Tanznotation), die sich als physische Ereignisse innerhalb des Raums verwirklichen (Tanz). Doch nicht nur unterläuft ein derartiges Experimentieren mit räumlichen Relationen erfolgreich die herkömmlichen Zuordnungen von Subjekt, Objekt und Zeichen. Sondern im selben Moment verbirgt sich darin die Möglichkeit eines Findens noch ungezeichneter sozialer und ästhetischer Topographien. Oder anders gesagt: Die Freiheit eines räumlichen Tastens, das dem Wagnis eines langsamen und intuitiven Tanzes mit den vorhandenen Dingen (und Menschen) nicht unähnlich verbleibt.

IV.

Eine Linie ist individueller Ausdruck, nicht nur weil sich im Zeichnen einer Linie stets auf direkte Weise etwas Inneres einer Person in die äußere Welt einzudrücken vermag, sondern vor allem auch, weil man darüber hinaus einer bereits gezogenen Linie treu bleiben kann. Einer Linie treu bleiben in Einstellungen, Stilen und Handlungen ist dabei keine nostalgische Beschwörung einer

als notorisch untreu entlarvten Authentizität (Postmoderne). Viel mehr versteckt sich hinter dem Tasten nach etwaigen Lebensmustern das Bedürfnis nach einer Art der Konturierung, anhand derer eine Person und ihre Lebenslinie für andere (und für sich selbst) überhaupt erst fassbar (weil erkennbar) wird. Solche sich mit dem Wesen der Linie verbindenden Erkenntnisstrukturen lassen sich zugleich auch auf fortführenden Ebenen nachzeichnen. So gerät man nicht zufällig in ein Unterstreichen von Traditionslinien, Abstammungslinien und Leitlinien immer dann, wenn man bestimmte (und gerade auch künstlerische) Positionen zu legitimieren sucht. Ebenfalls nicht zufällig lassen wir uns von abstrakten Linienmustern (Stadt- und U-Bahnplänen, mobilen Navigationssystemen, Diagrammen etc.) leiten und belehren, um konkrete Orientierung innerhalb einer zunehmend unüberschaubar wuchernden (Um)Welt zu erlangen. Und noch weniger zufällig stellt der logische Schluss – als kürzeste Gedankenverbindung zwischen zwei Ereignissen (es beginnt zu regnen, also greife ich nach einem Regenschirm) – eine mentale Bewegung dar, die der schlichten Effizienz einer geraden Linie in auffallender Weise ähnelt. Zwischen den graphischen Räumen eines Blattes, den physischen Räumen unserer Welt und den mentalen Räumen unseres Geistes scheinen sich also durchaus schlüssige Verbindungslinien ziehen zu lassen. Doch wie könnte sie beschaffen sein, eine Linie, die diese Räume gleichermaßen durchkreuzt?

https://vimeo.com/144538475

CLOSE

O≷T≙J≷N, 2015, with Natalie Obert, objects and drawings in arrangements, dimensions variable

O≷T≙J≷N, 2015, with Natalie Obert, objects and drawings in arrangements, dimensions variable

O≷T≙J≷N, 2015, with Natalie Obert, Edition I: Simultanhalle, collection of various printed white clothes, each as unique item, edition of 31+2 AP

O≷T≙J≷N, 2015, with Natalie Obert, Invitation Card

CLOSE
ACN

Being Autonomy, 2014, silkscreen on textile, tubes, 270 x 200 x 190 cm

ACN


Ride on Projects, Karlsruhe, 2014


ALL IMAGES
CLOSE

Being Autonomy, 2014, silkscreen on textile, tubes, 270 x 200 x 190 cm

Installation view

Protective/Emergency Tent, 2014, wood, lacquer, string, MPET film, 120 x 110 x 35 cm

PRL, 2014, watercolour, pencil on paper, frame, 52,5 x 51,5 cm

Receptions, 2014, DIN A3 inkjet prints, 232 x 334 cm

CLOSE